《七人乐队》:这就是香港电影的地道风格

《七人乐队》在今日的电影市场中,似乎是个无比尴尬的存在。 
对于电影文化来说,集合了这么多知名香港导演拍摄短片拼盘。他们仅仅往台前一站,就是一本行走的香港四十年电影发展史,不管实际成片质量如何,都无法被忽视。所以无论是本片选为今年First电影节、香港电影节的开幕片也罢,或是受到不少自发的媒体宣传也罢,都是“香港电影”应有的礼遇。特别对于今年是香港回归25周年来说,更让人有几分普天同庆文化交融的联想。然而票房上映几日的惨淡,似乎也是之前可以预料的。无论怎么想,今日的香港电影早已不是众多内地观众关心的对象。除了少数影迷,大部分观众可能并不想了解这部电影到底拍了什么,想表现什么。于是《七人乐队》就有点圈内人士集体自嗨的艺术片味道,倒也符合近年来香港影市普遍低迷,远远落后于内地影市的事实。 但真正看下来,不得不感叹瘦死的骆驼比马大。这仍是一部颇值得玩味的电影。对香港电影越熟悉和了解,就越能明白这些导演仍然在秉持着各自的创作风格,用心在拍摄作品。这部“短片拼盘”,日后也会成为香港电影史中重要的一笔。
当然,也不用被背后太多的文化内涵和掌故吓倒。喜欢或不喜欢,都是观众的直觉,也是一部“电影”到底好不好的评价基准。如果仅仅是为了“有趣”而看,希望也不会让观众太多失望。从缘起来说,《七人乐队》是导演杜琪峯在8年前就开始发起的创意。起初集合8位香港电影导演集体抓阄,大致每人认领一段从上世纪50年代开始至今,十年的香港文化背景,以此独立创作胶片电影拍摄的小故事。当然“年代背景”的命题作文,部分只是策划的宣传噱头,无非是希望导演们拍片时题材能更为错开。大体是个“好玩”的想法,而非“跨越香港历史”这样的文化重任。而吴宇森导演认领的1970年代,由于他因身体原因退出,也干脆空缺了。
从《八部半》变成了《七人乐队》,其中林岭东导演于2018年末去世,没有机会看到本片于2020年基本制作完毕,更没想到因为全球疫情,在今年才得以公映,实在是令人有些唏嘘。好似多年老友聚会,总是人越到越少,不断有人缺席,也是人生更替的常态。
谈完背景,逐一简评一下各位导演的短片。对于不熟悉香港电影的观众,略作提示一二。  《练功》(洪金宝 导演)
短片描写了一段洪金宝幼年和师兄弟们在天台练功的趣事。孩子们偷懒糊弄师父,被发现责罚,从此之后也不敢再懈怠了。
短片看起来取材角度十分随意,以“洪金宝”自述为蓝本,而“师父”的扮演者又是洪导长子洪天明,很容易被视作是漫不经心随手编排出的小品。然而作为开篇短片,其实分量颇重。
如果熟知香港电影历史,就会知道从1960-1970年代逐步跃入国际视野的香港电影,其根基正是李小龙为代表的“功夫”二字。而香港电影最辉煌的1980-1990年代,也正是“七小福”顶梁,以成龙、洪金宝等人,连同不少龙虎武师,以不要命的精神完成种种无法复制的人肉特技,造就了香港电影得以对抗好莱坞的奇观。可以说,香港电影发展根基的一脉,正是功夫片。
《练功》,从看似轻巧的角度对这段历史有所提及。没有言及电影人的“艰难和创新”,反而说的是“孩童的偷懒”,其实是很人性化的。片中孩子们逃避练功的情节,都相当自然生动。但短片又花了大量时间去展示孩子们翻滚跳跃的矫健身姿,展现了武行扎实的基本功路数,更是令人惊叹的“动作奇观”。而功夫片和香港电影日后的种种成功,正是因为当日所练下的这些“真功夫”,并非偶然和侥幸,是有种精神内涵在的。
只是洪金宝导演似乎低调谦虚了些,没有刻意吹捧日后武行取得的成绩,短片结尾,有种戛然而止的味道。所以从剧情的人物变化来看,前后发展好像戏剧性不足。对于懂的人来说,种种酸甜苦辣,皆已列于银幕了。不知道的部分,似乎也不足为外人道了。观众能看明白这些孩子是这样成长起来的就好。其后他们长大之后,就变成了拍摄本片的这些电影人们。 《校长》(许鞍华 导演)
短片描述了1960年代一个对学生有严有爱的校长形象,与此相关的,还有另一个慈爱细致的年轻女老师,后来生病去世,让年老的校长心中十分怀念。表面看起来似乎是简简单单的人生故事,内在却很复杂,很难看清导演到底想表达什么。
如果看过《好好拍电影》这部纪录片,那么就会知道许鞍华作为一位女导演,创作风格相当写实,很多地方有着男导演拍不出的温柔细腻,却时而又暗含对暴力和社会批判的迷恋。从一些采访中,许导自述想拍摄的是关于自己青年时代老师们的形象,对老派香港知识分子的尊重和赞扬。但故事的内在逻辑上,女老师却并非“好人有好报”,而是莫名服下中成药早逝了。这部分剧情,不仅来得突兀,也更突兀地引发了校长对于“昙花一现的美好”,以及“普通人平凡而艰难的伟大”的赞扬。我们大约能模糊明白,许导想说的是过去曾有过一段不错的时光,而后来却丧失了某种“美好”。今昔对比之中,不由让人感叹人生多舛,普通人生活不易。
大致就是这样的故事和主题。仍有些语焉不详的部分,比如校长对女老师是暗含情愫还是痛失好友,可能导演也没想完全告诉观众,留点朦胧也是一种美吧。 《别夜》(谭家明 导演)
短片描述了1980-1990年代香港移民潮的背景中,两个高中生不得不天各一方,最后告别中的情感挣扎。故事字幕说是1980年代的,但作为1990年代理解也未尝不可,正好和之后那部关于1997年的短片内容有所承接。但这部短片的风格对于大部分观众来说可能很难懂。
谭家明,对于不熟悉的观众而言,可以简单认为他是王家卫的老师。墨镜王早年的创作,特别是青春炽烈的那部分,受谭家明影响不小。故事主角都是想法文艺而浪漫的年轻人,无论爱还是恨都很直白大胆,会念诗,会文艺化地直抒胸臆,也会很强烈地突然就彼此伤害。
这部短片在镜头处理上,剪辑十分跳跃有力,特别像上世纪80年代谭导拍的几部爱情片。致敬的是香港电影“功夫”之外的另一脉——“新浪潮”。但是对现在的观众而言,可能会不适应这种时而文艺时而又分裂的风格,多半会觉得矫揉造作了些。
而在演员和人物扮相上,虽然差别不少,但是男主角让人联想起年轻时的张国荣,女主角又有点杨采妮等老派港风的意思,加上地道的粤语金曲抒情,都十分漂亮。只是故事上,俩人过分困于一个房间里为“你爱不爱我”这件事纠结许久,不免冗长了,也许简短一些会更好。
“爱不爱”的问题,背景往大了说就是时代变迁造成的分裂。就像男主角做的风格诡异的梦,虽然女生走了会相互怨恨,但一起留下来也并非是前途光明的爱情。取舍之间,注定了都是普通人的悲剧。 《回归》(袁和平 导演)
《回归》这部短片,背景是1997年前后,暂住的孙女和爷爷发生的文化碰撞。最终画外音中孙女带着父母又搬回了香港,愉快地阖家团圆。
这种爷孙喜剧,香港电影之前拍过,都是老少咸宜的合家欢走向。袁八爷选元华扮演爷爷,人物设置和台词之间,都充满着对武术和中华传统文化的迷恋,对西方文化又有着谨慎的学习态度,可说是武行出身的导演,对香港文化最直白的主题表达。
短片看起来很轻松,故事也是最通俗易懂的。可能若干表现上,喜剧化的表演风格略低幼做作了些,故事细节未必能让观众信服和打动。除此之外,倒也没什么可指摘的。对于1997年这个时点来说,算是“平稳过渡”,让不同文化背景的观众都能看得下去,没太多争议,算是一篇中规中矩的作文范本。  《遍地黄金》(杜琪峯 导演)
《七人乐队》中哪部短片第二好,可能会有争论。但第一好的是这部《遍地黄金》,相信大部分观众都能认可。
杜Sir以一个冰室中三个白领三段不同时点的争论,展现了如同《茶馆》般舞台浓缩的戏剧设置,以及高超的戏剧处理技巧。这三个时点,不仅有香港经济发展最火热的IT年代,也有SARS病毒肆虐的社会危机,更有内地金融联通和美国次贷危机的背景。特别SARS肆虐那段,和这两年全球疫情带来的社会压力类似,让观众都能感同身受。
种种浮沉之中,三个小人物关于“投与不投”的选择,才是最抓人的戏剧冲突。其中有意外,有挣扎,也有香港电影传统中飞来横财的喜剧。然而深层,却仍是普通市民对生活飘摇的动荡和担心。这和早年TVB那些最本土又最跌宕的情节剧,内核是一样的。你可以理解本片是对香港人太过求财善意的批评,也可以是对他们无法掌握自身命运深深的同情。“遍地黄金”,也许既不是赞颂也不是嘲讽,只是小人物们在时代中挣扎的心酸罢了。
不禁要感叹杜Sir现在的功力越发老辣,人物之间简单的几场争论对话,都让人看得惊心动魄。简单的时代生活片,竟然搞得和灾难片一样扣人心弦。 《迷路》(林岭东 导演)
林导似乎对这个短片的故事没怎么雕琢,有点主题先行了。故事描述了一个生活在村屋中的老派商人,把儿子送去英国,却在日后和老婆孩子相约重逢时,在中环迷了路的事情。
即使不谈影片故事的时序刻意做了前后跳跃,在影片主人公的态度上,似乎前后也有割裂。任达华扮演的老派商人,对于传统习俗十分维护,对过分西化的孩子不满,却仍然把他送去了英国;而面对今日中环高楼林立的现状,商人也在怀念过去还是认同发展中摇移不定,最终突兀地遭遇车祸,亡故街头。
如果说主人公关于文化的一些褒贬评价,有点喋喋不休,并不那么林岭东,那么车祸的发生,还是非常残酷的林岭东风格,甚至有些暴力。迷路了,就会车祸,主人公对香港故土文化怀有最深的热爱和记忆,然而最后死了。导演想表达什么很明白,只是故事太直给了。哪怕刻意用时间跳跃来掩饰,也是太直给了。 《深度对话》(徐克 导演)
上面林导的短片中,有个姓许的小女孩想当导演。而在徐克的短片中,主人公张达明扮演的男子,干脆声称自己就是许鞍华,又是杜琪峯。而许鞍华最后还和徐克一起出镜了一把。这部短片台词中尽是对导演们的调侃,想必是徐导和林导事先商量过了,在自己的部分里,都要狠狠地揶揄许导一把。
刨去这些圈内人的搞怪友情,这个短片其实是很疯狂的,描述了精神病院中一组大夫和病人的“无厘头”对话。也许大部分观众会觉得,这是搞笑荒诞或是黑色幽默,但细细品味,短片颇有徐克导演上世纪80年代头几部“新浪潮”影片狰狞恐怖的意味。要知道徐老怪还改编过鲁迅先生《狂人日记》的,“翻开历史书横看竖看,写着尽是吃人二字”。
最细思恐极的地方,如人物台词所言——“谁是医生?谁又是病人?”如果精神病扮成了院长,谁又能知道和发现呢?短片中反复出现这种福柯式的权力翻转,情节发展颇为让观众意外。可能徐老怪拍片太兴奋了,忘了自己也是事先抓过阄,有要表现的特定主题。所以最后这支短片根本只能理解为“文不对题”,是导演由着性子胡拍乱拍的。好在他是老怪,本来就剑走偏锋,又拍过《智取威虎山》《长津湖》这样的主旋律大片。只要没人说他其实在乱来,大家就睁一眼闭一眼当喜剧看看就好。
所以从“功夫片”开始,到“新浪潮”结束,就是《七人乐队》内在的电影文化结构。 对于香港电影,有句很著名的评论,叫“尽皆过火、尽是癫狂”。意思是香港电影,风格上嬉笑怒骂都是非常凌厉的,如鲁迅先生的匕首和投枪。不是什么庄严高深的舞台史诗,而是人物情感和冲突都很浓烈的小品。而导演们对于影片主题的把握,对小人物在社会洪流中的命运展现,很多时候都有十分尖锐的表达。而演员也多以直观多变的表演风格来展现人物形象,“无厘头”正是其中的代表。
《七人乐队》,虽然在今日市场中并不大众,但显然不是沉闷的艺术片合集,而是导演们各显神通的情节剧展示。七位导演想拍什么,估计自己都想得很明白。至于最后能不能拍出来让观众看明白,有个眼到手不到的技术问题。从这个意义上,有些短片拍得不够好,似乎表达上语焉不详,多少欠了口气。但导演们都深爱香港文化,深爱香港电影,这是明明白白都能看懂的。哪怕仅凭这些,影片的精神内核就站住了。这都不是商业电影谄媚大众的俗套,而是香港电影人在试图发出些有血有肉,有自己想法的声音。

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